Jivya Soma Mashe Artista Warli.

Testo critico di Francesca Alfano Miglietti (FAM)
 

C'è molta più arte tra la terra e il cielo di quanta ne sogni l'Occidente. A fronte di una produzione che proviene ormai da tutte le parti del globo, sempre più legata ad un sistema economico, il sistema artistico occidentale, è sempre più egemone sia culturalmente che economicamente, nonostante l'urto di pratiche artistiche a volte incompatibili con l'idea occidentale di arte. Un tempo le sculture africane, le icone indiane, come tutti gli straordinari artefatti provenienti da culture non occidentali, venivano esposti nei musei etnografici d'occidente come non-arte. Oggi da quelle stesse zone esotiche ci arrivano sculture, immagini, installazioni che sono considerate arte a tutti gli effetti e vengono accolte nelle biennali e nelle mostre internazionali, non senza conflitto. Alla prima mostra globale d'arte contemporanea che si tenne a Parigi, al Centre Pompidou nel 1989, la categoria di artista fu evitata con cura e sostituita dal poetico titolo Les magiciens de la terre. Troppo legate, forse, al loro “contesto d'uso”, rituale, o politico, o mirante ad affermare delle identità nazionali. Difficile perciò confinarle in quella sfera specializzata separata dalla religione e dalla prassi che da tre secoli definisce l’estetica. Esiste, ancora oggi, un attrito tra la complessa e variegata produzione contemporanea e ciò che l'occidente chiama arte. Lo scenario artistico contemporaneo indiano rimane praticamente sconosciuto in Italia nonostante il suo dinamismo e la pluralità' delle sue espressioni. L’India e’ una delle civiltà' piu’ antiche del mondo e la sua arte e’ fortemente influenzata dalle profonde radici culturali. Tale interdipendenza si riflette nelle opere degli artisti indiani influenzandone la loro creatività’ e dando loro caratteristiche uniche. Dagli anni 90, decennio in cui l’India si e’ aperta al resto del mondo accettando il nuovo ordine globale, le opere realizzate dagli artisti indiani riflettono le contraddizioni del presente del loro paese. Le diverse opere evocano qualcosa della realtà’ quotidiana del vivere oggi in India: l’incessante avanti e indietro tra le città’ e la periferia, tra il moderno ed il tradizionale, tra i clamori di Bollywood e la semplicità' della vita nei villaggi... Quindi non l'India tipicamente rappresentata nei film di Bollywood o quella nostalgica dei regni indiani e dell'impero che prevale in Europa, ma piuttosto l'India d’oggi, complessa e confusa tra passato e futuro, tra tradizione e progresso. Non è questo il caso di Jivya Soma Mashe. Nato in un villaggio del distretto di Thane, nello stato del Maharashtra, India, vive oggi a Kalambipada, nello stesso distretto, a circa 150 km a nord di Mumbai. Sono le terre dei Warli, una delle comunità tribali degli "adivasi" (i "primi abitanti," come li chiamano gli indù). Jivya Soma Mashe è uno degli artisti presentati alla mostra “Magiciens de la terre”, e in quell’occasione conobbe Richard Long e nel corso di una visita che Long e Perdriolle effettuarono a Kalambipada nel febbraio 2003, a casa di Mashe, nasce la mostra “Richard Long- Jivya Soma Mashe: Un incontro”, prima a Dusseldorf nel 2003 e al PAC, a Milano, l’anno dopo. Il tipo di pittura che realizza Jivya Soma Mashe è tipica dei Warli, una forma d’arte che esprime eventi quotidiani e sociali della tribu’, tale forma d’arte si è dimostrata essere efficace per trasmettere alle generazioni successive le tradizioni di una cultura priva della parola scritta. Essa viene eseguita sui muri delle capanne (fatti di un miscuglio di ramoscelli, argilla e sterco di mucca) con un colore bianco ottenuto mescolando pasta di riso, acqua e gomma. Il lessico dell’iconografia Warli è semplicissimo e consta di tre forme elementari variamente combinate: il triangolo (che ricorda il profilo delle montagne sacre, molto aguzze), il cerchio (sole e luna) e il quadrato (che è la forma del recinto sacro o dell’appezzamento di terreno) al cui centro si trova quasi sempre la dea madre, Palghata. Con questa pittura murale i Warli rappresentano i propri miti orali, come quello di Narayandev, che narra il trapasso dal nomadismo alla stanzialità agricola o quelli che spiegano l’origine dei nomi delle tribù. Sino alla fine degli anni sessanta la pittura Warli è stata realizzata quasi esclusivamente dalle donne, ed è con Jivya Soma Mashe, un giovane abbandonato dalla famiglia quando era ancora bambino e rinchiuso da allora in un totale mutismo, a cambiare la situazione. Quando infatti lo incontrarono gli inviati del governo centrale, fecero in modo di fornire ai Warli carta per disegnare e il supporto delle pitture cambia. Le carte e le tele di Jivya Mashe, di grande formato, si riempiono di lunghe file di figure umane che camminano o lavorano, disposte in curve aperte, cerchi o spirali. Gli elementi del mito e del rito si diluiscono nella rappresentazione dei lavori dei campi e della vita quotidiana. La tradizionale percezione dello spazio, con Jivya Soma Mashe, inizia a combinarsi con elementi più astratti e le sue pitture acquistano a poco a poco un particolare carattere: i temi rappresentati sono simbolici e spesso ripetuti nelle diverse opere, molte delle pitture rappresentano Palghat, il dio Warli del matrimonio e durante eventi sociali importanti, come il matrimonio, la pittura diventa sacra al punto che senza di essa, l'unione stessa non sarebbe valida e non potrebbe nemmeno avvenire. Nelle nuove pitture, spesso realizzate su carta, convivono motivi decorativi tradizionali con elementi moderni quali il treno o la bicicletta. Prima che una narrazione emblematica le opere di Jivya Soma Mashe restituiscono alla produzione visiva l’idea di un centro, di un luogo profondo in cui si annidano le ragioni, i significati, i meccanismi produttori del rapporto tra sogno, tradizione e realtà, costituendo così un insieme di immagini, di concetti o di segni che valgono e significano quanto più è probabile e atteso: la verità in altri termini è per Jivya Soma Mashe verosimile all’immaginario, al suo immaginario poetico e denso di elementi. In questo senso si possono sondare a fondo le possibilità narrative che costituiscono l’opera: una sorta di storia degli uomini, degli animali, della terra e degli elementi naturali che sono parti costitutive di ogni individuo del mondo di Jivya Soma Mashe. Sono infiniti, nelle sue opere, i tentativi di scoprire le innumerevoli molteplicità dell’immaginario alla ricerca dell’algoritmo nascosto, una disposizione dell’animo probabilmente già narrata qualche milione di volte, che non soltanto non ha mai perso di verità, fascino e soprattutto di rappresentabilità drammatica, ma continua ad accrescere la concreta trasposizione del racconto visivo su un piano puramente fantastico. In questa prospettiva il concetto di “ripetizione” non esiste. L’apertura stessa, infatti, di questo genere di immagini verso ogni tipo di trasformazione, evidenzia le potenziali capacità dell’immaginazione che, a prescindere da qualsiasi genere di sistema imposto dalla tradizione, fa si che la semplice idea dell’astrazione si articoli semanticamente, che l’estrapolazione dell’immaginazione diventi realtà immaginaria. “Noi abbiamo sempre avuto, finora, una riserva di immaginario, e il coefficiente di realtà è proporzionale alla riserva di immaginario che gli conferisce il suo peso specifico”, scrive Jean Baudrillard, ma l’immaginario di Jivya Soma Mashe copre perfettamente il reale e questo, rimesso in discussione, provoca un dileguarsi dei canoni, l’ibridazione dei codici, portando la creazione artistica sempre più lontana da quell’organismo di prevedibilità presente in tanta visione occidentale, quasi a creare una sorta di sistema: non si può rappresentare in modo lineare ciò che si vede esplodere in senso centrifugo. Per penetrare nell’assoluto di tutti i relativi occorre la distanza, la consapevolezza di un vuoto, questo è anche il principio della fondazione di un senso.

Francesca Alfano Miglietti (FAM)